Moliere, vida y obra del genio francés

El papá de Moliere pertenecía a una familia de burgueses acomodados, casi todos eran tapiceros; de María Cressé, la mamá de Moliere, se sabe poco, pero era hija de un tapicero por lo que el enlace con Jean, el papá de Moliere, fue una estrategia corporativa y cada uno aportó 2200 libras  tornesas en dinero para su casamiento (para el 2026 serían unos 100,000 euros).

El 15 de enero de 1621, 10 meses después del casamiento, nació Jean Baptiste Poquelín, más conocido como Moliere.

Moliere tuvo 5 hermanos y 2 medios hermanos, porque la mamá de Moliere murió cuando él tenía 10 años y su papá se casó nuevamente. 

En 1637, el papá de Moliere fue nombrado «Maestro Tapicero de la casa real» y Moliere, que tenía 16 años, prestó juramento como su sucesor, después volveremos a este tema.

Luis Cressé,  el abuelo materno de Moliere, lo llevaba al teatro del Hotel de Borgoña, donde actuaba un famoso trío fársico: Turlupin, Gross Gullaume y Gualthier-Gorghille, Moliere se enamoró de la farsa parisiense.

Moliere estudió humanidades en el colegio jesuita Clermont y ahí comenzó a escribir haciendo sus primeros versos en secreto. Después de terminar los estudios de humanidades obtuvo el título de abogado en la Universidad de Orleans. Poquelin padre compró el título para su hijo aunque Moliere nunca ejerció la profesión. Pero sí sustituyó a su padre como tapicero real en 1642 y fue ayudante de la cámara del rey durante algunos meses, anque ese cargo le parecía absurdo. Él no se veía siendo tapicero toda su vida, lo que le atraía era la vitalidad de la gente de teatro, en esa época conoció a Tiberio Fiurelli, célebre actor de la Comedia del arte italiana, que solía hacer el papel de Scaramuche. El punto decisivo para que Moliere entrara de lleno al teatro fue cuando conoció a la familia Béjart.

Magdalena Béjart tenía 24 años cuando conoció a Moliere, ella era actriz, instruida, bella, seductora… Moliere quedó prendado y vivió su primera aventura. En Enero de 1643, Moliere le escribe una carta a su padre para comunicarle que será Cómico. El papá mandó a Juan Pinel, conocido de la familia, a hablar con Moliere para que lo disuadiera de ser actor, el resultado fue que Juan Pinel se convirtió en actor de la compañía.

Moliere recibió de su padre 630 libras como anticipo de su herencia materna y fundó la compañía «EL ILUSTRE TEATRO».

La inauguración fue el 1 de enero de 1644 y fue un desastre. No tenían suficiente público así que no pudieron pagar la renta y el 2 de agosto del mismo año, Moliere fue encarcelado por deudor. Su papá lo sacó de la cárcel. Moliere y Magdalena se fueron de París en 1645 con los supervivientes de la compañía y fueron actores ambulantes por 12 años.

En 1653 se estrena la primera obra de Moliere: El atolondrado. Esta obra sí tuvo éxito, Magdalena mandó por su hija Amanda (que había estado oculta hasta ese entonces) para que viviera con ella y con Moliere -quien para este tiempo ya tenía 31 años, sin saber que esa niña se convertiría, años más tarde, en esposa de Moliere.

La compañía actuó para el Príncipe de Conti y la suerte les sonríe, empiezan a recibir ingresos recurrentes y esa protección duró 3 años hasta que el príncipe atravesó una crisis espiritual y decidió alejarse de la vida disoluta y eso incluía el teatro.

 

Moliere triunfaba, pero en su interior había sombras y celos, le perdonaba todo a Armanda, por su edad y su belleza. Después de «El misántropo» se estrenó «El médico a la Fuerza», «Pastoral Cómica», «El amor pintor». En 1667, mientras el rey se encontraba en Flandes, Moliere se arriesgó a presentar el Tartufo, al día siguiente prohibieron la obra. El arzobispo de París prohibió severamente las representaciones en su diócesis. Fue hasta 1669 cuando Moliere pudo representar Tartufo, autorizado por el rey, con un éxito arrollador. 

Para cuando Moliere tenía 50 años era un ser triste, de humor amargado, enfermo, preocupado. En 1672 estrenó «Las mujeres sabias», nació y murió su tercer hijo, Moliere estaba abatido, tosía sin cesar y se fatigaba. 

En 1673 se estrenó «El enfermo imaginario», al terminar la cuarta función, Moliere pidió los sacramentos, el abate Paysant, no alcanzó a llegar a tiempo: Moliere murió a los 51 años. Los enemigos de Moliere dijeron que había muerto sin sacramentos, eso, además de que en París se prohibió enterrar en suelo sagrado a las rameras, concubinas, cómicos, usureros y brujos, provocó serias dificultades para el entierro de Moliere, tuvo que intervenir el rey para que autorizaran su sepelio sin ninguna pompa, fuera de las horas diurnas y con 2 sacerdotes solamente. 

El teatro del Palais Royal -su teatro- cerró 3 días en señal de duelo. 

Amanda recibió una herencia de 300,000 francos y sobrevivió 26 años a Moliere, Magdalena la hija de Moliere murió sin desendencia. No se sabe qué pasó con los objetos y recuerdos de Moliere.

Moliere fue uno de los primeros humoristas del teatro moderno, logró que su obra mostrara la tragedia de lo cómico y la comicidad de lo trágico. Fue un creador de almas que logró plasmar los defectos universales del ser humano en sus personajes.

Obras de Moliere

El atolondrado o los contratiempos -1653

La historia gira en torno a Lélio, un joven enamorado que quiere ayudar a su criado Mascarilla a llevar a cabo un plan para conquistar a Celia.

El problema es que Léli0 es incapaz de callar, de esperar o de seguir una estrategia. Cada vez que Mascarilla idea un plan ingenioso para resolver la situación, Lélio, por su impulsividad y torpeza, lo arruina.

Uno de los personajes más importantes de la obra es Mascarilla, el criado.

Molière retoma aquí una tradición heredada de la commedia dell’arte:

• el sirviente ingenioso

• más inteligente que su amo

• capaz de manipular situaciones

• pero siempre limitado por la torpeza del superior

Mascarille es el verdadero motor de la acción, y su frustración ante Lélie es una de las principales fuentes de humor.

El despecho amoroso

El despecho amoroso es una comedia temprana de Molière que gira en torno a los malentendidos amorosos, los celos y el orgullo herido, elementos centrales del teatro cómico del siglo XVII.

La obra se desarrolla alrededor de una pareja joven cuyo amor se ve constantemente amenazado por sospechas, rumores y decisiones impulsivas, lo que provoca una cadena de conflictos y reconciliaciones. 

El amor entre los protagonistas se ve interrumpido por:

• falsas apariencias

• interpretaciones erróneas de las acciones del otro

• intervenciones de terceros

Cada personaje actúa convencido de tener la razón, lo que agrava los conflictos.

Molière presenta el despecho como algo ridículo y desproporcionado.

Los personajes:

• exageran ofensas

• defienden su orgullo por encima del amor

• prefieren perder al otro antes que aceptar una explicación

El público observa cómo el orgullo herido conduce a comportamientos absurdos, lo que provoca el efecto cómico.

Las preciosas ridículas 

Las preciosas ridículas es una comedia breve y satírica en la que Molière se burla de la afectación del lenguaje, la falsa sofisticación y el esnobismo social de ciertos círculos de su época.

La obra fue un éxito inmediato porque atacaba un fenómeno muy reconocible en la sociedad francesa del siglo XVII: la obsesión por parecer refinado sin serlo realmente.

La historia gira en torno a Magdelon y Cathos, dos jóvenes provincianas que llegan a París con la ambición de convertirse en mujeres refinadas y distinguidas.

Ambas rechazan de forma tajante a dos pretendientes, La Grange y Du Croisy, no porque no los consideren adecuados, sino porque:

• no hablan con el lenguaje “correcto”

• no siguen los rituales galantes que ellas consideran elegantes

• les parecen demasiado simples y directos

Para Magdelon y Cathos, el amor debe estar rodeado de palabras rebuscadas, gestos exagerados y un aire de sofisticación artificial.   

Las preciosas ridículas:

• consolidó la fama de Molière

• mostró su capacidad de observación social

• inauguró su crítica a los vicios humanos

• sigue siendo vigente por su sátira de las modas y el lenguaje pretencioso

Sganarelle o el cornudo imaginario

La historia comienza cuando Sganarelle, un hombre celoso y desconfiado, observa una escena que interpreta de forma equivocada.

Ve a su esposa involucrada en una situación ambigua con otro hombre y, sin comprobar los hechos ni escuchar explicaciones, llega a una conclusión inmediata: ha sido engañado.

Desde ese momento, Sganarelle se convence de que es un marido traicionado.

A partir de esta falsa creencia, toda la obra se desarrolla como una cadena de errores:

• Sganarelle interpreta cada gesto como prueba de infidelidad

• Se comporta como víctima antes de tener certeza

• Reacciona con celos exagerados y discursos moralizantes

• Se hunde en el ridículo por su propia imaginación

El público sabe que el engaño no existe, lo que refuerza el efecto cómico.

Don García de Navarra o el Príncipe celoso

Don García de Navarra es una comedia en verso en la que Molière aborda el tema de los celos obsesivos dentro de un contexto cortesano. A diferencia de sus farsas más breves, esta obra se centra en un personaje principal dominado por una pasión que lo conduce al error y al ridículo.

La obra presenta a Don García, príncipe de Navarra, un hombre noble y valiente, pero profundamente celoso e inseguro en el ámbito amoroso.

Está enamorado de Doña Elvira, una mujer inteligente y virtuosa, a quien dice amar intensamente. Sin embargo, su amor está constantemente contaminado por la sospecha y la desconfianza.

Don García interpreta cualquier gesto, palabra o situación como una posible traición.

A lo largo de la obra:

• duda de la fidelidad de Doña Elvira

• malinterpreta encuentros y conversaciones

• se deja llevar por rumores y apariencias

• reacciona con arrebatos emocionales

Sus celos no tienen una base real, pero gobiernan todas sus acciones.

El conflicto no surge de un engaño real, sino de la incapacidad de Don García para confiar.

Doña Elvira, cansada de ser juzgada y puesta a prueba constantemente, comienza a distanciarse. El amor se convierte en un terreno de vigilancia y reproche, no de confianza. 

Finalmente, Don García comprende —aunque tarde— que sus celos han sido injustificados y destructivos.

Reconoce que:

• ha confundido amor con posesión

• ha herido a la persona que decía amar

• ha sido víctima de su propia imaginación

La obra concluye con una resolución que restablece el orden, pero deja claro el costo emocional de los celos.

Esta obra es relevante porque:

• explora el tema de los celos desde un registro más serio

• se aleja de la farsa pura

• anticipa conflictos psicológicos más complejos

• muestra la transición de Molière hacia comedias de mayor profundidad

Pero no tuvo éxito y solo se presentó 4 veces.

La escuela de los maridos puedes leer la obra completa aquí 

La escuela de los maridos es una comedia en verso en la que Molière contrapone dos formas opuestas de educar, amar y ejercer la autoridad, especialmente dentro del matrimonio.

La obra plantea una pregunta central:
¿se puede controlar el amor a través de la vigilancia y la imposición? 

La historia gira en torno a dos hermanos tutores:

• Sganarelle, autoritario, desconfiado y rígido

• Ariste, comprensivo, abierto y razonable

Ambos están a cargo de dos jóvenes huérfanas, Isabelle y Léonor, a quienes educan de manera radicalmente distinta.

• Sganarelle cree que la obediencia se logra mediante el control, la vigilancia y la restricción. Planea casarse con Isabelle y la mantiene bajo una educación estricta, aislada y sumisa.

• Ariste, en cambio, confía en la libertad, la conversación y el respeto. Permite que Léonor se relacione con otros y decida por sí misma.

La obra concluye con la derrota moral de Sganarelle, quien comprende —demasiado tarde— que el control excesivo solo genera engaño y rebelión.

La razón y la confianza, representadas por Ariste, se imponen como el camino más sensato. Puedes leer la obra aquí

La escuela de los maridos:

• anticipa La escuela de las mujeres

• consolida la crítica social de Molière

• desarrolla personajes femeninos activos

• combina comedia con reflexión moral

 

Los importunos

La obra gira en torno a Érasto, un joven enamorado que intenta encontrarse con su amada Orfisa para declararle su amor.

Sin embargo, cada vez que intenta acercarse a ella o avanzar en su objetivo, aparece un nuevo personaje que lo interrumpe.

Estos personajes representan distintos vicios sociales:

• el hablador interminable

• el consejero inoportuno

• el moralista pedante

• el cortesano adulador

• el fanfarrón

• el obsesivo con sus propios intereses

Cada uno detiene la acción con discursos largos, actitudes absurdas o exigencias innecesarias.

La obra funciona como una galería de tipos, más que como una historia tradicional.

Cada escena presenta un nuevo importuno, lo que permite a Molière:

• observar y satirizar conductas sociales

• jugar con el ritmo y la repetición

• explotar el gesto y la exageración

Esta obra es importante porque:

• • inaugura la comedia-ballet

  • introduce una estructura episódica

  • consolida la sátira de tipos sociales

  • prioriza el ritmo escénico y el gesto

La escuela de las mujeres

La escuela de las mujeres es una de las comedias más importantes y polémicas de Molière. En ella, el autor cuestiona abiertamente la educación represiva de las mujeres, la obsesión masculina por el control y la idea del matrimonio como posesión.

La obra provocó un gran escándalo en su estreno por el atrevimiento de sus ideas.

El protagonista es Arnolfo, un hombre maduro que teme profundamente ser engañado por una mujer.

Para evitarlo, ha decidido criar a Inés, una joven huérfana, en el aislamiento, la ignorancia y la obediencia absoluta, con la intención de convertirla en su futura esposa.

Arnolfo cree que una mujer sin educación ni mundo será fiel por naturaleza.

Arnolfo controla cada aspecto de la vida de Inés:

• limita sus contactos

• regula su lenguaje

• decide lo que puede o no puede saber

• le inculca una moral rígida y temerosa

Su proyecto es construir una esposa sumisa que nunca pueda traicionarlo.

El plan comienza a derrumbarse cuando Horacio, un joven noble, se enamora de Inés.

Irónicamente, Horacio confía en Arnolfo sin saber que él es su rival, y le cuenta con entusiasmo todos sus avances amorosos.

Inés, lejos de ser pasiva, comienza a experimentar sentimientos, curiosidad y deseo.

A lo largo de la obra, Inés demuestra una inteligencia natural que supera la educación que le impusieron.

Aunque ha sido criada para obedecer, aprende rápidamente:

• a pensar por sí misma

• a cuestionar las órdenes

• a elegir

El amor se convierte en una fuerza de emancipación.

Arnolfo, consumido por los celos y el miedo, pierde progresivamente el control.

Sus intentos de reforzar la autoridad solo aceleran su fracaso, y termina siendo víctima del sistema que él mismo creó.

La verdad se revela: Inés tiene un origen noble y está destinada legítimamente a Horacio.

Arnolfo queda solo, humillado y derrotado, enfrentado a la imposibilidad de controlar el deseo ajeno.

La escuela de las mujeres:

• marca la madurez de Molière

• introduce personajes femeninos complejos

• combina comedia con crítica social profunda

• sigue siendo vigente por su tema central

Crítica a la escuela de las mujeres

La crítica a la Escuela de las mujeres es una comedia breve y metateatral en la que Molière responde directamente a las polémicas y ataques que provocó La escuela de las mujeres tras su estreno.

Más que contar una historia tradicional, la obra pone en escena un debate sobre el teatro, el gusto del público y la moral en la comedia.

La acción se desarrolla en una reunión social donde varios personajes conversan sobre una obra recientemente estrenada: La escuela de las mujeres.

Cada personaje representa una postura distinta frente al teatro:

• quienes la defienden

• quienes la atacan

• quienes repiten críticas sin comprender la obra

• quienes se escandalizan por motivos morales

La conversación se convierte en el verdadero motor de la obra.

Los detractores acusan a La escuela de las mujeres de:

• ser inmoral

• carecer de decoro

• presentar situaciones indecentes

• romper con las reglas tradicionales

Otros personajes, en cambio, defienden la obra argumentando que:

• el teatro debe reflejar la vida real

• la comedia puede criticar vicios sociales

• el gusto del público también es válido

Aunque Molière no se presenta como personaje, su voz está claramente presente.

A través de los personajes defensores, sostiene que:

• la comedia no debe someterse a reglas rígidas

• el teatro no existe solo para agradar a los eruditos

• hacer reír no es incompatible con hacer pensar

• el público común tiene derecho a disfrutar del teatro

La obra es un ejemplo temprano de teatro dentro del teatro:

• se habla de una obra teatral dentro de otra obra

• se analiza su recepción

• se discuten sus efectos

Esto convierte a La crítica a la Escuela de las mujeres en una reflexión directa sobre el hecho teatral.

La improvisación de Versalles

La improvisación de Versalles es una obra breve y profundamente metateatral en la que Molière responde, una vez más, a las críticas y ataques dirigidos contra su teatro. Aquí, el dramaturgo se coloca a sí mismo y a su compañía dentro de la escena, mostrando el teatro en pleno proceso de creación.

La acción se sitúa en un ensayo de la compañía de Molière en el palacio de Versalles.

Los actores se preparan para presentar una obra ante el rey, pero:

• no están listos

• no saben bien qué van a representar

• reciben constantes indicaciones contradictorias

Molière aparece como personaje, dirigiendo a sus actores y lidiando con el caos del ensayo.

El verdadero conflicto no es la historia que van a representar, sino:

• la urgencia de agradar al poder

• la presión del tiempo

• las expectativas del público

• las críticas de otros dramaturgos

A través de esta situación, Molière reflexiona sobre la dificultad de hacer teatro en un contexto de vigilancia y juicio constante.

Dentro de la obra, Molière se burla abiertamente de sus detractores y de otros autores contemporáneos, parodiando:

• estilos afectados

• declamaciones exageradas

• formas rígidas de actuación

La sátira funciona tanto como defensa artística como ataque directo.

El casamiento a la fuerza

El casamiento a la fuerza es una comedia breve en la que Molière se burla de la obsesión por la certeza, el miedo al matrimonio y la incapacidad de decidir, utilizando el humor como herramienta crítica.

La obra combina farsa, sátira filosófica y situaciones absurdas.

El protagonista es Sganarelle, un hombre maduro que ha decidido casarse con una joven llamada Dorimène.

Sin embargo, antes de concretar el matrimonio, comienza a ser asaltado por dudas y temores:
¿Será fiel?
¿Lo engañará?
¿El matrimonio lo hará feliz o lo arruinará?

Para tranquilizarse, Sganarelle busca consejo en distintas figuras de autoridad:

• filósofos

• sabios

• personas “expertas”

Cada uno le ofrece respuestas contradictorias, confusas o absurdas, lo que solo aumenta su ansiedad.

En lugar de ayudarlo, estos consejos lo paralizan.

Molière se burla de:

• quienes buscan certezas absolutas antes de actuar

• la falsa sabiduría

• el miedo al compromiso

• la hipocresía social en torno al matrimonio

La comedia muestra que pensar demasiado puede ser tan paralizante como no pensar en absoluto.

La princesa de Élide

La princesa de Élide es una comedia-ballet escrita por Molière para la corte de Luis XIV. A diferencia de sus sátiras más conocidas, esta obra presenta un tono galante, idealizado y cortesano, donde el amor y la razón entran en conflicto.

La protagonista es la princesa de Élide, una joven noble que ha decidido rechazar el amor y consagrarse a una vida de independencia y libertad.

Convencida de que el amor distrae, debilita y esclaviza, declara que no desea casarse ni someterse a los vínculos afectivos tradicionales.

Varios príncipes y nobles intentan conquistarla, pero ella los rechaza con argumentos racionales y una actitud distante.

Entre ellos se encuentra Eurialo, quien, a diferencia de los demás, no intenta imponer su amor, sino que respeta la decisión de la princesa y se acerca con discreción y honestidad.

Don Juan o el Convidado de Piedra

Don Juan o el convidado de piedra es una de las obras más complejas y provocadoras de Molière. A través de la figura del célebre seductor, el autor construye una crítica feroz a la hipocresía social, la falsa moral y el libertinaje sin límites.

La obra combina comedia, drama y reflexión filosófica.

La acción comienza con Don Juan, un noble libertino, huyendo después de haber abandonado a Doña Elvira, a quien sedujo y luego dejó sin remordimiento.

Lo acompaña su criado Sganarelle, quien funciona como contrapunto moral, expresando miedo, superstición y reproches constantes hacia su amo.

A lo largo de la obra, Don Juan:

• promete matrimonio a varias mujeres

• miente con naturalidad

• se burla de la autoridad paterna

• desafía las normas sociales y religiosas

Cada encuentro refuerza su imagen de transgresor consciente.

El elemento sobrenatural aparece cuando Don Juan se burla de la estatua del Comendador, a quien ha matado anteriormente, y la invita irónicamente a cenar.

La estatua acepta la invitación, encarnando la idea de castigo y justicia divina.

Ante el peligro, Don Juan finge arrepentimiento y se presenta como un hombre moral y religioso.

Molière critica aquí la hipocresía, mostrando que la falsa virtud puede ser más peligrosa que el vicio declarado.

Finalmente, el convidado de piedra regresa para reclamar a Don Juan.

El protagonista se niega a arrepentirse sinceramente y es arrastrado al infierno, castigado por su soberbia y su desafío constante.

El amor médico

El amor médico es una comedia breve en la que Molière satiriza la medicina pedante, la autoridad masculina y los matrimonios impuestos, utilizando el humor y la farsa como herramientas críticas.

La obra gira en torno a Sganarelle, un padre viudo y autoritario que se opone firmemente a que su hija Lucinda se case.

Para evitar el matrimonio, Sganarelle afirma que Lucinda padece una misteriosa enfermedad, justificando así su encierro y control.

Lucinda, enamorada de Clitandro, utiliza la supuesta enfermedad como estrategia para resistir el matrimonio impuesto.

Sganarelle convoca a varios médicos para diagnosticar a su hija, convencido de que la autoridad científica respaldará su decisión.

Los médicos aparecen como personajes ridículos:

• hablan en latín incomprensible

• contradicen sus propios diagnósticos

• priorizan su prestigio sobre la salud del paciente

Molière ridiculiza la medicina basada en fórmulas y dogmas, no en la observación ni en el sentido común.

El misántropo

El misántropo es una de las comedias más complejas y modernas de Molière. A través de su protagonista, el autor cuestiona la sinceridad absoluta, las convenciones sociales y los límites entre la verdad y la convivencia.

La paradoja de Alcestes es que ama a Célimène, una joven brillante, ingeniosa y perfectamente integrada en la sociedad que él detesta.

Célimène disfruta del juego social, la conversación y la seducción.

A través de los salones y personajes secundarios, Molière retrata:

• la adulación

• la superficialidad

• la vanidad

• el chisme

El mundo social funciona por reglas implícitas que Alcestes rechaza.

El misántropo:

• es una comedia moral

• presenta personajes psicológicamente complejos

• anticipa el teatro moderno

• sigue siendo profundamente vigente

El médico a palos

El médico a palos es una de las farsas más populares de Molière. A través del humor físico, los disfraces y los malentendidos, el autor ridiculiza la falsa autoridad, la ignorancia y el abuso de poder. La obra comienza con Sganarelle, un leñador borracho, perezoso y violento, casado con Martina, una mujer decidida y cansada de los malos tratos. Tras una discusión, Martina decide vengarse de su marido.

Cuando dos criados buscan un médico para curar a Lucinda, Martina les dice que su esposo es un gran doctor, pero que solo acepta ejercer después de ser golpeado.

Los criados, creyéndola, golpean a Sganarelle hasta que este acepta hacerse pasar por médico.

Convertido en doctor a la fuerza, Sganarelle:

• utiliza palabras en latín sin sentido

• inventa diagnósticos absurdos

• se aprovecha de la autoridad del saber

A pesar de su ignorancia, todos confían en él solo por su apariencia y su rol.

Molière critica:

• la autoridad sin conocimiento

• la confianza ciega en las apariencias

• la medicina dogmática

• el poder de los títulos sobre la razón

La obra muestra que la sociedad muchas veces respeta más el rol que la verdad.

 

La pastoral cómica

La pastoral cómica es una pieza breve escrita por Molière como parodia de las pastorales idealizadas, un género muy popular en la corte francesa del siglo XVII. La obra se burla del amor exagerado, la falsa sensibilidad y el artificio literario.

La pastoral tradicional presentaba:

• pastores refinados y poéticos

• amores perfectos y sufrientes

• paisajes idealizados

• lenguaje elevado

Molière subvierte estos elementos desde la comedia. Los personajes se presentan como pastores y pastoras “cultos”, que hablan con solemnidad sobre el amor, la naturaleza y el sufrimiento amoroso. Sin embargo, sus acciones contradicen constantemente sus palabras.

Melicerte

La acción se sitúa en un entorno bucólico donde conviven:

• Mélicerte, una joven pastora

• Myrtil, enamorado de ella

• otros personajes nobles y pastoriles

El amor entre Mélicerte y Myrtil parece sincero, pero se ve amenazado por diferencias sociales ocultas.

El siciliano

El siciliano o el amor pintor es una comedia breve en la que Molière retoma uno de sus temas favoritos: los celos masculinos llevados al extremo, combinándolos con ingenio, música y farsa.

La obra se sitúa en Sicilia y gira en torno a Don Pèdre, un hombre mayor, rico y profundamente celoso.

Don Pèdre mantiene prácticamente encerrada a Isidore, una joven a la que pretende controlar para evitar que otros hombres la cortejen. 

Isidore está enamorada de Adraste, un joven galante que busca la forma de acercarse a ella pese a la vigilancia constante de Don Pèdre.

El exceso de control y los celos irracionales de Don Pèdre generan el conflicto central.

Tartufo

Tartufo es una de las obras más polémicas y poderosas de Molière. A través de la figura del falso devoto, el autor denuncia la hipocresía disfrazada de virtud y el peligro de la autoridad moral sin pensamiento crítico.

La acción se desarrolla en la casa de Orgón, un hombre acomodado que ha caído completamente bajo la influencia de Tartufo, un supuesto hombre piadoso al que ha acogido como guía espiritual.

Orgón confía ciegamente en él, ignorando las advertencias de su familia.

Molière critica:

• la hipocresía religiosa

• el fanatismo

• la obediencia ciega

• el abuso del discurso moral

La obra no ataca la religión, sino a quienes la usan como máscara.

Tartufo:

• fue censurada durante años

• es una de las grandes comedias de carácter

• presenta un antagonista icónico

• sigue siendo vigente

 

Anfitrión

Anfitrión es una comedia mitológica en la que Molière retoma el mito clásico para explorar, desde la risa, temas como la identidad, el engaño, el poder y el deseo.

Mientras Anfitrión, general tebano, se encuentra en la guerra, el dios Júpiter se enamora de su esposa Alcmena.

Para seducirla, Júpiter adopta la apariencia exacta de Anfitrión.

Júpiter no actúa solo:

• Mercurio, su mensajero, toma la apariencia de Sosia, criado de Anfitrión.

De este modo, tanto el amo como el criado tienen un doble divino.

Anfitrión:

• mezcla mitología y comedia

• utiliza el recurso del doble

• cuestiona la justicia divina

• es una de las obras más complejas del autor

El avaro

El avaro es una de las grandes comedias de carácter de Molière. A través de Harpagón, el autor construye una sátira feroz sobre la avaricia, el poder del dinero y la destrucción de los vínculos humanos.

La acción se desarrolla en la casa de Harpagón, un hombre obsesionado con el dinero, desconfiado y autoritario.

Su avaricia gobierna todos los aspectos de su vida y la de sus hijos:

• Élise, su hija

• Cléante, su hijo

  Harpagón planea:

  • casar a Élise con un hombre rico al que no ama

  • casarse él mismo con una joven mucho más joven, Marianne, quien en realidad ama a Cléante

  La avaricia entra en conflicto directo con el deseo.

  El núcleo dramático se desata cuando desaparece el cofre de dinero de Harpagón.

  El avaro pierde completamente la razón, sospechando de todos y mostrando hasta qué punto su identidad está ligada a su riqueza.

  El avaro:

  • es una comedia de carácter clásica

  • presenta uno de los personajes más icónicos del teatro

  • combina humor y crueldad

  • sigue siendo plenamente vigente

Jorge Dandin o el marido humillado

Jorge Dandin es una de las comedias más crueles y pesimistas de Molière. Bajo la apariencia de farsa, el autor expone la violencia social del matrimonio por conveniencia y la humillación del individuo que intenta ascender socialmente.

Jorge Dandin es un campesino enriquecido que ha comprado un título noble al casarse con Angélica, hija de los nobles empobrecidos los Sotenville.

Dandin espera respeto y autoridad dentro del matrimonio, pero ocurre lo contrario.

Jorge Dandin:

• rompe con la comedia tradicional

• presenta un protagonista derrotado

• mezcla farsa y tragedia social

• es una de las obras más modernas de Molière

El señor de Pourceaugnac

Julie ama a Éraste, pero su padre ha decidido casarla con el señor de Pourceaugnac, un hombre provinciano llegado a París para concretar el matrimonio.

Pourceaugnac es ingenuo, rígido y completamente fuera de lugar en la ciudad.

Para evitar el matrimonio, Éraste y sus aliados elaboran una serie de engaños para expulsar a Pourceaugnac de París.

El objetivo no es convencerlo, sino destruir su reputación y su estabilidad.

Pourceaugnac es víctima de:

• falsos médicos que lo declaran loco

• acusaciones absurdas

• mujeres que lo persiguen reclamándole matrimonio

• amenazas legales y sociales

Cada escena aumenta su confusión y humillación.

El señor de Pourceaugnac:

• es una farsa extrema

• combina música, danza y comedia

• cuestiona la justicia de los finales felices

• es escénicamente muy potente

Los amantes magníficos

Los amantes magníficos es una comedia-ballet escrita para la corte de Luis XIV, donde Molière combina teatro, música y danza para reflexionar, con ironía elegante, sobre el amor, el poder y la ostentación.

La acción se sitúa en un reino idealizado.

Dos príncipes poderosos, Iphicrate y Timoclès, compiten por el amor de Ériphile, una princesa joven y bella.

Ambos pretendientes intentan conquistarla mediante:

• espectáculos grandiosos

• regalos fastuosos

• demostraciones de riqueza y poder

El amor se convierte en competencia pública.

Ériphile no se deja impresionar por la magnificencia.

A diferencia de los príncipes, ella se inclina por Sostrate, un joven discreto y sincero, que no posee poder ni ostentación.

El burgués gentilhombre

El burgués gentilhombre es una de las comedias más célebres de Molière. A través de la risa, el autor critica la obsesión por ascender socialmente y el ridículo que produce la imitación vacía de la nobleza.

El protagonista es Monsieur Jourdain, un burgués rico que sueña con convertirse en noble.

Para lograrlo, contrata maestros de:

• música

• danza

• esgrima

• filosofía

Sin comprender realmente nada de lo que aprende.

Jourdain desprecia su origen burgués y adopta:

• modales exagerados

• vestimentas ridículas

• lenguaje afectado

Todo su entorno se aprovecha de su ingenuidad.

Psique

Psique es una tragicomedia-ballet basada en el mito clásico de Psique y Cupido. Fue concebida como un gran espectáculo cortesano, donde el despliegue visual, la música y la danza son tan importantes como la acción dramática.

La obra nace para satisfacer el gusto de la corte de Luis XIV, interesada en:

• mitología clásica

• escenografías fastuosas

• máquinas teatrales

• música y ballet integrados

El texto sirve al espectáculo.

Psique es una joven de extraordinaria belleza, tan perfecta que despierta los celos de Venus, diosa del amor.

Los hombres dejan de rendir culto a Venus para admirar a Psique, lo que provoca la ira de la diosa.

Psique:

• es un ejemplo clave del teatro-espectáculo

• combina texto, música, danza y maquinaria

• muestra el trabajo colectivo del teatro cortesano

• privilegia lo visual sobre lo psicológico

Las trapacerías de Scapin

Las trapacerías de Scapin es una de las comedias más dinámicas y populares de Molière. Retoma la tradición de la comedia italiana para celebrar el ingenio, la astucia y la rebelión del criado frente a la autoridad paterna.

Dos jóvenes, Octave y Léandre, se han casado o comprometido en secreto durante la ausencia de sus padres:

• Géronte, padre de Octave

• Argante, padre de Léandre

Ambos padres son autoritarios y no aprobarían estas uniones.

Scapin, criado de Léandre, se convierte en el motor de la acción.

Es:

• ingenioso

• manipulador

• audaz

• amoral, pero eficaz

Su objetivo es proteger a los jóvenes enamorados.

Para conseguir dinero y tiempo, Scapin inventa una serie de engaños:

• historias falsas

• amenazas imaginarias

• extorsiones teatrales

El engaño más célebre es cuando Scapin encierra a Géronte en un saco y lo golpea, fingiendo defenderlo de enemigos invisibles.

La condesa de Escarbagnas puedes leer la obra completa aquí

La condesa de Escarbagnas es una comedia breve en la que Molière satiriza la pretensión social, la imitación ridícula de la nobleza y el deseo obsesivo de reconocimiento.

La protagonista, la condesa de Escarbagnas, es una mujer de provincia que se cree refinada y aristocrática.

Aspira a ser tratada como una gran dama de la corte, aunque su comportamiento revela ignorancia y vulgaridad.

Dos hombres, el vizconde y el caballero, fingen interés amoroso por la condesa.

En realidad, ambos se burlan de ella y juegan con su vanidad.

La condesa:

• presume su supuesto linaje

• utiliza lenguaje afectado

• exagera sus modales

Todo esto la convierte en objeto de burla para el público.

La condesa de Escarbagnas:

• pertenece a las comedias breves

• continúa la crítica a la falsa nobleza

• se relaciona con El burgués gentilhombre

• funciona muy bien como pieza corta

Las mujeres sabias

Las mujeres sabias es una comedia de carácter en la que Molière critica el pedantismo intelectual, la falsa erudición y el uso del saber como forma de poder y dominación.

La acción ocurre en una familia burguesa dominada por:

• Filaminte, madre autoritaria y obsesionada con el saber

• Armande, su hija mayor, defensora del amor idealizado y el intelecto

• Bélise, la tía, delirante y convencida de ser deseada por todos

Estas mujeres desprecian la vida práctica y el sentido común.

Henriette, la hija menor, desea casarse con Clitandre, un hombre sensato.

Sin embargo, su matrimonio se ve obstaculizado porque no responde al ideal intelectual de la familia.

Entra en escena Trissotin, un poeta pedante y mediocre que se aprovecha de la admiración de las mujeres “sabias”.

Su discurso vacío es celebrado como gran inteligencia.

El enfermo imaginario

El enfermo imaginario es la última obra de Molière y una de las más agudas. A través de la comedia, el autor satiriza la obsesión por la enfermedad, la medicina dogmática y el miedo a la muerte.

El protagonista es Argán, un hombre sano que se cree gravemente enfermo.

Vive rodeado de médicos, recetas y tratamientos inútiles, gastando su fortuna en cuidados innecesarios.

Argán quiere casar a su hija Angélica con Thomas Diafoirus, un joven médico torpe, para asegurar atención médica permanente.

Sin embargo, Angélica ama a Cléante.

Toinette, la criada, representa el sentido común.

Se disfraza de médico para demostrar lo absurdo del sistema y abrir los ojos de Argán.

Argán finge estar muerto para observar la reacción de su familia.

Descubre quién lo ama de verdad y quién solo busca su dinero.

Argán acepta que Angélica se case con Cléante, siempre y cuando él mismo se convierta en médico.

La ironía final subraya la sátira.